jueves, 3 de diciembre de 2009
sábado, 21 de noviembre de 2009
martes, 3 de noviembre de 2009
nuevo CURSO, ARTE: POLÍTICA II, NO RECONCILIADOS, marcelo expósito (españa)
NO RECONCILIADOS
Seminario de Marcelo Expósito en IENBA (Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes) / UDELAR (Universidad de la República, Uruguay).
Montevideo, jueves 26 y viernes 27 de noviembre de 2009
jueves 26: cce (conferencia, 19.30 hs.)
viernes 27. (ienba) primera parte: 10 am
segunda parte: 19 hs.
El seminario "No reconciliados" se dividirá en dos partes, y consistirá en una continuación y ampliación de la conferencia que será impartida inmediatamente antes en el Centro Cultural de España (CCE) de Montevideo, el jueves 26 de noviembre, bajo el título "Algunos apuntes sobre el arte y la nueva imaginación política"
La primera parte del seminario tendrá lugar a la mañana del viernes (comienzo: 10h.), en una sesión de aproximadamente cuatro horas de duración. Se tratará de armar un diagrama de algunos tránsitos de politización experimentados hace casi un siglo por las prácticas del arte de vanguardia, poniendo especial énfasis en algunos hitos en los que nos detendremos para enfocarlos a la manera de casos de estudio: la constelación cubofuturismo / suprematismo / constructivismo / productivismo en la rusia soviética entre las décadas de 1910 y 1920; la radicalización del dadaísmo alemán a través de la práctica del fotomontaje de agitación política; el cartelismo político en la Guerra Civil española; etc.
Trataremos asimismo de trazar algunas líneas hacia lo que denominaríamos "reinvención del activismo artístico" en el actual ciclo de conflictos, desde la década de 1980 hasta la actualidad.
Esta primera sesión de la mañana consistirá en una síntesis del curso habitualmente impartido por Marcelo Expósito en el Programa de Estudios Independientes (PEI) del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba). (Ver documento anexo: curso "Imaginación política", que contiene bibliografía y base de datos extensa).
La segunda parte del seminario tendrá lugar a la tarde (comienzo: 19h.), y consistirá en la proyección del vídeo No reconciliados (nadie sabe lo que un cuerpo puede) (127 min, 2009). Filmado en la Argentina, se trata de una libre adaptación de la obra teatral Máquina Hamlet del dramaturgo alemán Heiner Müller, que había sido puesta en escena en Buenos Aires por el grupo El Periférico de Objetos en en la segunda mitad de los años noventa. La película recorre varios momentos en los que, en el contexto argentino, herramientas derivadas de la tradición de las vanguardias estéticas son puestas al servicio de la construcción del movimiento social, haciendo escalas en el “siluetazo” en los años ochenta, y en la participación de colectivos de arte político (Arte en la Kalle, Grupo de Arte Callejero [GAC] y Colectivo Etcétera) en el ámbito de los nuevos movimientos por los Derechos Humanos y en la práctica de los escraches (las acciones públicas que localizan y denuncian a colaboradores impunes con la masacre perpetrada por la última dictadura militar argentina) impulsados por la agrupación H.I.J.O.S. desde mediados de la década de 1990.
Más información sobre No reconciliados: http://marceloexposito.net/?page_id=416
Bibliografía recomendada:
Ana Longoni: "Calidoscopio. Acerca de No reconciliados, de Marcelo Expósito"
http://marceloexposito.net/pdf/analongoni_noreconciliados.pdf
Brian Holmes: "Marcelo Expósito's Entre sueños. Towards the New Body"
http://marceloexposito.net/pdf/brianholmes_entresueños.pdf
Marcelo Expósito: "Entrar y salir de la institución. Autovalorización y montaje en el arte contemporáneo"
http://marceloexposito.net/pdf/exposito_autovalorizacion_es.pdf
Marcelo Expósito: "Desobediencia: la hipótesis imaginativa"
http://marceloexposito.net/pdf/exposito_desobediencia.pdf
Otros textos incluidos en la sección "Escritos" de la web dedicada al proyecto Entre sueños: http://marceloexposito.net/?page_id=42
lunes, 26 de octubre de 2009
"Prácticas sonoras/Prácticas visuales"; presentación de kolgen e informe al consejo
El curso de educación permanente "Prácticas sonoras/Prácticas visuales" Un acercamiento al fenómeno desde la práctica artística”, contó con 2 días de actividad, viernes 9 de octubre y jueves 15 de octubre de 15 a 18 hs. Se contó con la presencia del artista canadiense Herman Kolgen y el artista y músico uruguayo Martín Craciun.
El viernes 9 de octubre con la participación del artista canadiense Herman Kolgen se desarrolló la primer jornada del mencionado curso la cual fue instrumentada en un formato taller, el cual permitío que los asistentes al curso pudiesen acercarse a la propuesta, sus tecnologías, sus obras, etc. El curso se propuso ahondar tanto en aspectos técnicos como estéticos, conversar sobre las motivaciones y objetos de estudio así como acerca de dispositivos y tecnologías utilizadas, desarrollando una dinámica de intercambio entre los participantes. Estos últimos enrriquecieron desde sus diferentes intervenciones el curso, la variedad de respuestas del invitado, etc. La instancia fue acompañada por la visualización de materiales audiovisuales proporcionados por el artista invitado. En el curso los alumnos asistieron a la presentación de 3 de sus más recientes proyectos. Incluida la presentación que desarrolló el día anterior en la Sala Zabala Muniz, del Teatro Solís, denominada “Inject”.
“Epiderm”
http://skoltzkolgen.com/epiderm.html
“Inject”
http://www.kolgen.net/projects/inject-0
“Watermusik”
http://www.kolgen.net/projects/project
El artista Martín Craciun formuló una presentación de Kolgen, introduciendo aspectos de relevancia en la relación planteada por el curso en lo visual y lo sonóro.
“Herman Kolgen es reconocido por sus creaciones multimedia por más de 20 años, un artista multidisciplinario que vive y trabaja en Montreal. Un escultor audiocinético que extrae su materia prima de la relación íntima que existe entre imagen y sonido, creando objetos que asumen la forma de instalaciones, videos, performances y esculturas sonoras. Se encuentra constantemente explorando, trabaja en la coyuntura misma de los diferentes soportes, a la vez que elabora un nuevo lenguaje técnico revestido de una estética singular.
Su trabajo multifacético es, sobre todo, caracterizado por un acercamiento radiográfico a las huellas neurosensoriales y a los estímulos. Este efecto de rayos x, con su calidad inmaterial, le permite que lo invisible se haga visible mediante la intensidad interna de diversas reacciones sensitivas. Inspirado por esta tensión, tan brutal como frágil, construye una narrativa recurrente en la que la fricción temporal constituye el epicentro de su trabajo. En contraste, la noción de lo orgánico está en el centro de sus preocupaciones conceptuales.
Combinado y asociado con lo digital y lo electrónico a través de un trabajo de extrema sensibilidad, lo segundo deriva luego hacia formas híbridas e indeterminadas.
Su práctica en la instalación integra un trabajo vital de espacialización, notablemente refererido al aspecto del sonido.”
martes, 29 de septiembre de 2009
Programa del Curso de Educación Permanente de la URM-IENBA
Programa del Curso de Educación Permanente de la URM-IENBA:
"prácticas sonoras/ prácticas visuales”Un acercamiento al fenómeno desde la práctica artística"Invitado: Herman Kolgen
Presentación I de Herman Kolgen
JUVES 8 de octubre de 15 a 18 hsMartí 3314, salón seminario III, bombonerita.
Presentación II de Herman Kolgen
Viernes 9 de octubre de 15 a 18 hsMartí 3314, salón seminario III, bombonerita.
Presentación III
Instalación-proyección de “Zidane: A 21st Century Portrait”, video de Douglas Gordon y Philippe Parreno.
Cierre del curso.
Salón a confirmar.
JUVES 16 de octubre de 15 a 18 hs
"prácticas sonoras/ prácticas visuales”Un acercamiento al fenómeno desde la práctica artística"Invitado: Herman Kolgen
Presentación I de Herman Kolgen
JUVES 8 de octubre de 15 a 18 hsMartí 3314, salón seminario III, bombonerita.
Presentación II de Herman Kolgen
Viernes 9 de octubre de 15 a 18 hsMartí 3314, salón seminario III, bombonerita.
Presentación III
Instalación-proyección de “Zidane: A 21st Century Portrait”, video de Douglas Gordon y Philippe Parreno.
Cierre del curso.
Salón a confirmar.
JUVES 16 de octubre de 15 a 18 hs
miércoles, 23 de septiembre de 2009
lunes, 14 de septiembre de 2009
info del curso y del artista...
Curso de Educación Permanente, URM-IENBA junto a alonso+craciun"prácticas sonoras/ prácticas visuales”
Un acercamiento al fenómeno desde la práctica artística"
Invitado: Herman Kolgen
El curso-taller de Herman Kolgen ofrece un recorrido por la extensa carrera del artista canadiense, repasando los diferentes desarrollos que realizó, tanto individualmente como en el ámbito del dúo Skoltz_Kolgen. Durante el mismo abordará sobre las diversas ideas detrás de cada proyecto, las motivaciones, y también sobre las herramientas que utilizó para la realización de los mismos.
Jueves 8 de octubre de 15 a 18 hs
Martí 3314, salón seminario III, bombonerita.
Inscripciones en bedelía hasta
Pequeña reseña de Herman Kolgen.
Reconocido por sus creaciones multimedia por más de 20 años, Herman Kolgen es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en Montreal. Un verdadero escultor audiocinético que extrae su materia prima de la relación íntima que existe entre imagen y sonido, creando objetos que asumen la forma de instalaciones, videos, performances y esculturas sonoras. Constantemente explorando, trabaja en la coyuntura misma de los diferentes soportes, a la vez que elabora un nuevo lenguaje técnico revestido de una estética singular.
Su trabajo multifacético es, sobre todo, caracterizado por un acercamiento radiográfico a las huellas neurosensoriales y a los estímulos. Este efecto de rayos x, con su calidad inmaterial, le permite que lo invisible se haga visible mediante la intensidad interna de diversas reacciones sensitivas. Inspirado por esta tensión, tan brutal como frágil, construye una narrativa recurrente en la que la fricción temporal constituye el epicentro de su trabajo. En contraste, la noción de lo orgánico está en el centro de sus preocupaciones conceptuales. Combinado y asociado con lo digital y lo electrónico a través de un trabajo de extrema sensibilidad, lo segundo deriva luego hacia formas híbridas e indeterminadas. Su práctica en la instalación integra un trabajo vital de espacialización, notablemente refererido al aspecto del sonido. La creación y uso de sistemas aleatorios de imágenes y sonidos autogenerados también le permite la creación de espacios audiofónicos marcados por su calidad inmersiva. Se destacan en este ámbito las interacciones de Herman Kolgen con numerosos artistas sonoros y compositores electrónicos/electroacústicos como Taylor Deupree, AGF, Sawako y Akira Rabelais, entre otros.
De 1996 a 2008 ha dedicado la mayoría de su tiempo al dúo SKOLTZ_KOLGEN, cuyas creaciones han sido presentadas en reconocidos eventos, museos y festivales como Transmediale (Alemania), ISEA 2004 (Finlandia-Estonia), la Bienal de Venecia (Italia), Ars Electronica (Austria), Sonic Acts (Holanda), el Centre Georges Pompidou (Francia), Cimatics (Bélgica), Dissonanze (Italia), Mutek (Canadá y México), Elektra (Canadá), Sonar (España), Tapei Digital Arts y Shanghai eARTS (China).
Además de su participación en la Bienal de Venecia en 2006, Herman Kolgen ha sido acreedor de numerosos premios prestigiosos, incluyendo el “Mejor Video” del Festival de Nuevo Cine y Nuevos Medios de Montreal, al “Mejor Film Experimental” del Festival de Cine Independiente de New York y Los Angeles, y el premio del Consejo General del Festival Internacional Vidéoforme de Clermont-Ferrand, Francia.
martes, 4 de noviembre de 2008
cartel formas de la relacion - curso 1
Curso de educación permanente
FORMAS DE LA RELACIÓN - curso 1
Prácticas y proyectos relacionales en el arte y la cultura contemporánea.
Objetivo del curso: conocer de forma directa y crítica algunos proyectos en donde se establece como premisa fundamental las formas de relación entre los sujetos que lo desarrollan.
MIercoles 26 Presentación 1:
Presentación del curso.
Gonzalo Bustillo, proyecto: “La Chapita”, Paysandú.
Jueves 27 Presentación 2:
Adela Casacuberta y Antar Kuri, proyecto: “Harto Espacio”.
Sebastián Alonso y Martín Craciun, proyecto AMORIR.
Viernes 28 Presentación 3:
Cierre a cargo de Fernando Miranda y Sebastián Alonso, “El objeto relacional”
Acción fotográfica de la serie “El hombre invisible”, alonso+craciun
Material referencia para el abordaje crítico del curso:
Reinaldo Laddaga/ Nicolás Bourriaud/ Diaz & Rietweg/ Felix Guattari y Suely Rolnik/ Giorgio Agamben/ Hal Foster/ Rirkrit Tiravanija/ Revista Animita/ Revista Brumaria/
Fechas del curso:
Comienzo: miércoles 26 de noviembre, Jueves 27 y viernes 28.
De 15 a 17 hs.
Martí 3328, piso 1 ½, salón multiuso.
http://www.felipezorn.blogspot.com/
Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes/
Mail del curso: cursos.felipezorn@gmail.com
El curso es gratuito como todos los curso de educacion permanente del IENBA. Los estudiantes que deseen inscribirse deberán hacerlo de forma especial, quedando a criterio de la comision de educacion permenente la posibilidad de cursar formalmente. Los estudiantes interesados deberán llevar consigo en la inscripcion un curriculum vitae.
jueves, 11 de septiembre de 2008
lunes, 8 de septiembre de 2008
Presentaciónes a cargo de Carlos Valderrama
Para ampliar las presentaciónes hacer click sobre ellas.
Fotos de la presentación:
jueves, 4 de septiembre de 2008
miércoles, 3 de septiembre de 2008
martes, 2 de septiembre de 2008
Tomsich solicitó postear el material de su pagina referido a su presentacion de mañana...
para leer estos textos con los links funcionando adecuadamente:
http://anticlimacus.wordpress.com/
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QUINCE TESIS SOBRE ARTE CONTEMPORÁNEO de Alain Badiou (Traducción inédita)
2 September, 2008
Por fin, presento aquí mi traducción de las Quince tesis sobre Arte Contemporáneo de Alain Badiou, publicadas en el número 23 de la revista lacanian ink.
A su discusión quisiera dedicar la presentación de mañana. Recomiendo a los que participen en el curso que las impriman y anoten.
Tal vez les sea conveniente leer la curiosa introducción de Badiou a las quince tesis publicada aquí, donde también puede leerse el original inglés.
Quince tesis sobre arte contemporáneo
Alain Badiou
Traducción: Francisco Tomsich
1. El arte no es el sublime descenso de lo infinito en la finita abyección del cuerpo y la sexualidad. Es la producción una infinidad de series subjetivas mediante los significados finitos de la sustracción material.
2. El arte no puede ser meramente la expresión de una particularidad (sea étnica o personal). El arte es la producción impersonal de una verdad que remite a todos.
3. El arte es el proceso de una verdad, y ésta verdad siempre es la verdad de lo sensible o sensual, lo sensible como sensible. Esto significa: la transformación de lo sensible en un suceso de la Idea.
4. Hay necesariamente una pluralidad de artes, y como sea que podamos imaginar las maneras en las cuales las artes puedan intersectarse, no hay una manera imaginable de totalizar esa pluralidad.
5. Cada arte se desarrolla desde una forma impura, y la progresiva purificación de esa impureza comparte la historia tanto de una verdad artística particular como de su fatiga (exhaustion).
6. El sujeto de una verdad artística es el conjunto de la obras que la componen.
7. Esa composición es una configuración infinita, la cual (en nuestro propio contexto artístico contemporáneo) es una totalidad genérica.
8. Lo real del arte es impureza ideal concebida a través del inmanente proceso de su purificación. En otras palabras, el material en bruto del arte es determinado por la contingente aparición de una forma. Arte es la formalización secundaria del advenimiento de una forma aún sin forma.
9. La única premisa del arte contemporáneo es no ser imperial. Esto también significa: no tiene que ser democrático si democracia implica conformidad con la idea imperial de libertad política.
10. El arte no imperial es necesariamente arte abstracto, en este sentido: se abstrae a sí mismo de toda particularidad, y formaliza el gesto de la abstracción.
11. La abstracción del arte no imperial no concierne a ningún público o audiencia. El arte no imperial remite a un tipo de ética aristocrático-proletaria: solo, hace lo que dice, sin distinguir entre tipos de personas.
12. El arte no imperial debe ser tan riguroso como una demostración matemática, tan sorprendente como una emboscada en la noche, tan elevado como una estrella.
13. El arte hoy solo puede ser hecho desde este punto de partida: hasta donde concierne al Imperio, no existe. Mediante su abstracción, el arte mantiene esta inexistencia visible. Esto es lo que gobierna el principio formal de todo arte: el esfuerzo por mantener visible para todos aquello que para el Imperio (y que por extensión para todos, desde un punto de vista diferente) no existe.
14. Desde que está seguro de su habilidad para controlar el entero dominio de lo visible y lo audible a través de las leyes que gobiernan la circulación comercial y la comunicación democrática, el Imperio ya no censura nada. Todo arte y todo pensamiento es arruinado cuando aceptamos este permiso para consumir, comunicar y disfrutar. Debemos convertirnos en los censores acérrimos de nosotros mismos.
15. Es mejor no hacer nada que contribuir a la invención de maneras formales de mantener en la visibilidad aquello que el Imperio reconoce como existente.
Posted in Uncategorized No Comments »
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A:P Pomysl komunizm
2 September, 2008
Con este ejemplo, que quizá alguno de ustedes conozcan vía la publicación Documenta Magazines (y, no creo, a través de su versión original en Piktogram, 1) quisiera llamar la atención sobre un curioso ejemplo de tergiversación (en este caso, se acerca a la idea deborniana de título el tratamiento que hacen estos artistas polacos del término “Realismo socialista”) cuyas coordenadas de interpretación en cierto modos on opuestas a las que nos exige nuestra actualidad o contemporaneidad. Sin embargo, son también un ejemplo de institucionalidad no institucionalizable o de atención en un contexto institucional. Y también un punto de partida para pensar la manera en que el espíritu de época no es reductible. He buscado a estos artistas en todas las cronologías de actividades Fluxus en Europa del Este, sin éxito. Es que a pesar de su evidente cercanía, no podrían estar políticamente más lejos. Si Fluxus es un niño que juega con pólvora, Neo Soc Art es un adulto que juega con ese niño.
La obra toda de Zofia Kulik, es mas allá de esto, enteramente recomendable.
Transcribo aquí una versión sin notas ni apéndice:
http://es.geocities.com/urmfotos2/ingles.doc
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A:P Revisión del abstract, 2
2 September, 2008
http://es.geocities.com/urmfotos2/revision2.doc
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A:P Revisión del abstract, 1
2 September, 2008
http://es.geocities.com/urmfotos2/revision1.doc
http://anticlimacus.wordpress.com/
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QUINCE TESIS SOBRE ARTE CONTEMPORÁNEO de Alain Badiou (Traducción inédita)
2 September, 2008
Por fin, presento aquí mi traducción de las Quince tesis sobre Arte Contemporáneo de Alain Badiou, publicadas en el número 23 de la revista lacanian ink.
A su discusión quisiera dedicar la presentación de mañana. Recomiendo a los que participen en el curso que las impriman y anoten.
Tal vez les sea conveniente leer la curiosa introducción de Badiou a las quince tesis publicada aquí, donde también puede leerse el original inglés.
Quince tesis sobre arte contemporáneo
Alain Badiou
Traducción: Francisco Tomsich
1. El arte no es el sublime descenso de lo infinito en la finita abyección del cuerpo y la sexualidad. Es la producción una infinidad de series subjetivas mediante los significados finitos de la sustracción material.
2. El arte no puede ser meramente la expresión de una particularidad (sea étnica o personal). El arte es la producción impersonal de una verdad que remite a todos.
3. El arte es el proceso de una verdad, y ésta verdad siempre es la verdad de lo sensible o sensual, lo sensible como sensible. Esto significa: la transformación de lo sensible en un suceso de la Idea.
4. Hay necesariamente una pluralidad de artes, y como sea que podamos imaginar las maneras en las cuales las artes puedan intersectarse, no hay una manera imaginable de totalizar esa pluralidad.
5. Cada arte se desarrolla desde una forma impura, y la progresiva purificación de esa impureza comparte la historia tanto de una verdad artística particular como de su fatiga (exhaustion).
6. El sujeto de una verdad artística es el conjunto de la obras que la componen.
7. Esa composición es una configuración infinita, la cual (en nuestro propio contexto artístico contemporáneo) es una totalidad genérica.
8. Lo real del arte es impureza ideal concebida a través del inmanente proceso de su purificación. En otras palabras, el material en bruto del arte es determinado por la contingente aparición de una forma. Arte es la formalización secundaria del advenimiento de una forma aún sin forma.
9. La única premisa del arte contemporáneo es no ser imperial. Esto también significa: no tiene que ser democrático si democracia implica conformidad con la idea imperial de libertad política.
10. El arte no imperial es necesariamente arte abstracto, en este sentido: se abstrae a sí mismo de toda particularidad, y formaliza el gesto de la abstracción.
11. La abstracción del arte no imperial no concierne a ningún público o audiencia. El arte no imperial remite a un tipo de ética aristocrático-proletaria: solo, hace lo que dice, sin distinguir entre tipos de personas.
12. El arte no imperial debe ser tan riguroso como una demostración matemática, tan sorprendente como una emboscada en la noche, tan elevado como una estrella.
13. El arte hoy solo puede ser hecho desde este punto de partida: hasta donde concierne al Imperio, no existe. Mediante su abstracción, el arte mantiene esta inexistencia visible. Esto es lo que gobierna el principio formal de todo arte: el esfuerzo por mantener visible para todos aquello que para el Imperio (y que por extensión para todos, desde un punto de vista diferente) no existe.
14. Desde que está seguro de su habilidad para controlar el entero dominio de lo visible y lo audible a través de las leyes que gobiernan la circulación comercial y la comunicación democrática, el Imperio ya no censura nada. Todo arte y todo pensamiento es arruinado cuando aceptamos este permiso para consumir, comunicar y disfrutar. Debemos convertirnos en los censores acérrimos de nosotros mismos.
15. Es mejor no hacer nada que contribuir a la invención de maneras formales de mantener en la visibilidad aquello que el Imperio reconoce como existente.
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A:P Pomysl komunizm
2 September, 2008
Con este ejemplo, que quizá alguno de ustedes conozcan vía la publicación Documenta Magazines (y, no creo, a través de su versión original en Piktogram, 1) quisiera llamar la atención sobre un curioso ejemplo de tergiversación (en este caso, se acerca a la idea deborniana de título el tratamiento que hacen estos artistas polacos del término “Realismo socialista”) cuyas coordenadas de interpretación en cierto modos on opuestas a las que nos exige nuestra actualidad o contemporaneidad. Sin embargo, son también un ejemplo de institucionalidad no institucionalizable o de atención en un contexto institucional. Y también un punto de partida para pensar la manera en que el espíritu de época no es reductible. He buscado a estos artistas en todas las cronologías de actividades Fluxus en Europa del Este, sin éxito. Es que a pesar de su evidente cercanía, no podrían estar políticamente más lejos. Si Fluxus es un niño que juega con pólvora, Neo Soc Art es un adulto que juega con ese niño.
La obra toda de Zofia Kulik, es mas allá de esto, enteramente recomendable.
Transcribo aquí una versión sin notas ni apéndice:
http://es.geocities.com/urmfotos2/ingles.doc
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A:P Revisión del abstract, 2
2 September, 2008
http://es.geocities.com/urmfotos2/revision2.doc
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A:P Revisión del abstract, 1
2 September, 2008
http://es.geocities.com/urmfotos2/revision1.doc
lunes, 1 de septiembre de 2008
envía manuel esmoris...
We chose to go to the moon
We choose to go to the moon. We choose to go to the moon in this decade and do the other things, not because they are easy, but because they are hard.
Presidente John F. Kennedy, discurso pronunciado en
I have a dream
Tengo un sueño: que un día esta nación se pondrá en pie y realizará el verdadero significado de su credo: “Sostenemos que estas verdades son evidentes por sí mismas: que todos los hombres han sido creados iguales”.
Tengo un sueño: que un día sobre las colinas rojas de Georgia los hijos de quienes fueron esclavos y los hijos de quienes fueron propietarios de esclavos serán capaces de sentarse juntos en la mesa de la fraternidad.
Tengo un sueño: que un día incluso el estado de Mississippi, un estado sofocante por el calor de la injusticia, sofocante por el calor de la opresión, se transformará en un oasis de libertad y justicia.
Tengo un sueño: que mis cuatro hijos vivirán un día en una nación en la que no serán juzgados por el color de su piel sino por su reputación.
Tengo un sueño hoy.
[…]
En el proceso de conseguir nuestro legítimo lugar, no debemos ser culpables de acciones equivocadas. No busquemos saciar nuestra sed de libertad bebiendo de la copa del encarnizamiento y del odio. Debemos conducir siempre nuestra lucha en el elevado nivel de la dignidad y la disciplina. No debemos permitir que nuestra fecunda protesta degenere en violencia física. Una y otra vez debemos ascender a las majestuosas alturas donde se hace frente a la fuerza física con la fuerza espiritual. La maravillosa nueva militancia que ha envuelto a la comunidad negra no debe llevarnos a desconfiar de todas las personas blancas, ya que muchos de nuestros hermanos blancos, como su presencia hoy aquí evidencia, han llegado a ser conscientes de que su destino está atado a nuestro destino. Han llegado a darse cuenta de que su libertad está inextricablemente unida a nuestra libertad. No podemos caminar solos.
Martin Luther King, “I have a dream” (fragmentos), discurso pronunciado en Washington, capital federal de los Estados Unidos, el 28 de agosto de 1963.
You say you want a revolution
Well, you know
We all want to change the world.
Tou tell me that it’s evolution,
Well, you know
We all want to change the world.
But when you talk about destruction,
Don’t you know that you can count me out.
Don’t you know it’s going to be alright,
Alright, alright.
Lennon - Mc Cartney. Revolution. 1968.
Ev'rywhere I hear the sound of marching, charging feet, boy
'Cause summer's here and the time is right for fighting in the street, boy
Well then what can a poor boy do
Except to sing for a rock 'n' roll band
'Cause in sleepy London town
There's just no place for a street fighting man
No!
Hey! Think the time is right for a palace revolution
'Cauce where I live the game to play is compromise solution
Well then what can a poor boy do
Except to sing for a rock 'n' roll band
'Cause in sleepy London town
There's no place for a street fighting man
No!
Get down
Jagger / Richards. Street Fighting
Dedos son dedos, días son días
Madres son madres, hijos son crías
Los pensamientos, son todos míos
pero mi lengua, ya no es tan mía
Si plantas rosas, crecen sandías
Si esperas coche, pasan tranvías
Así es mi tierra, que se resfría
y está engripada, de hace mil días
¿Cuándo sanará y caminará?
¿Cuándo cambiará y podrá cantar?
Yo sé que tú me dirás
ves, mira, cómo crecen rosas
y entonces yo te diré
sí, ya lo veo, sigue hermosa mi tierra
Useta – Rada. Dedos.1971
mail de manuel esmoris
Recibí el siguiente mail de Manuel:
"Este mail va dirigido a personas que valoro. Me gustaría se me pueden enviar su opinión sobre el sitio web de mi empresa.
Hago esta consulta para mejorarlo.
Gracias.
www.gestioncultural.com.uy
"
"Este mail va dirigido a personas que valoro. Me gustaría se me pueden enviar su opinión sobre el sitio web de mi empresa.
Hago esta consulta para mejorarlo.
Gracias.
www.gestioncultural.com.uy
"
sábado, 30 de agosto de 2008
Presentaciones - Miranda+Vicci
Fernando Miranda
Get your own - Open publication
Gonzalo Vicci
Para ampliar las presentaciónes, hacer click sobre ellas.
Gonzalo Vicci
Para ampliar las presentaciónes, hacer click sobre ellas.
viernes, 29 de agosto de 2008
audios + imágenes
Las 3 presentaciones de fernando miranda, gonzalo vicci y manuel esmoris junto a sus audios respectivos y el audio de la presentación serán subidos mañana sabado.
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